Les portraits de Renoir

Contexte historique

Pourquoi le portrait est au cœur de l'œuvre de Renoir

Sur les quelque 4500 tableaux attribués à Pierre-Auguste Renoir, plus de la moitié sont des portraits ou des scènes de figures. Contrairement à Claude Monet qui s'est attaché au paysage et à la série, ou à Edgar Degas qui a exploré la danse et la vie moderne, Renoir a fait de la figure humaine — et particulièrement du visage et du corps féminin — son sujet de prédilection pendant près de soixante ans. Cette constance fait de lui l'un des plus grands portraitistes de l'histoire de la peinture, aux côtés de Velázquez, Rembrandt et Ingres. Cette orientation s'explique par sa formation et sa sensibilité. Formé à la peinture sur porcelaine dès l'âge de douze ans chez les Lévy frères à Paris, l'artiste a appris très tôt la précision du trait et la patience du métier. À l'École des Beaux-Arts et à l'atelier Gleyre, il s'est spécialisé dans la figure, et à toujours refusé de s'en éloigner. « Je n'ai jamais su peindre un arbre sans un personnage au pied », disait-il, résumant ainsi sa fidélité à la figure humaine. Les portraits de Renoir se lisent en six grandes périodes stylistiques, qui correspondent à des moments de sa vie et à des évolutions techniques. De la période de jeunesse (1860-1870) avec Lise Tréhot, à la maturité impressionniste (1870-1890) avec les portraits mondains, jusqu'à la période tardive (1890-1919) avec les Baigneuses monumentales, chaque période à ses sujets, ses modèles, ses couleurs. Comprendre ces six périodes, c'est comprendre l'évolution d'un peintre qui n'à jamais cessé de chercher la même chose : la chair, la lumière, la présence.

Style artistique

Les portraits de la période de jeunesse (1860-1870) : Lise Tréhot

La première période de Pierre-Auguste Renoir (1860-1870) est dominée par la figure de Lise Tréhot, sa compagne de l'époque. Lise pose pour Renoir dès 1866, à l'atelier Gleyre où elle l'a rejoint. Elle restera son modèle principal pendant près de six ans, jusqu'à leur séparation en 1872. Près de vingt portraits d'elle sont connus, dont La Lise à l'ombrelle (1867), Lise avec un bouquet de fleurs des champs (1867), Lise et la mère de l'artiste (1866), ou encore Lise cousant (vers 1866-1868).

Le style de cette période est académique encore teinté de la formation de Gleyre, mais déjà marqué par la touche fragmentée qui annonce l'impressionnisme. Les fonds sont sombres, les poses classiques, les étoffes travaillées avec une précision proche de la peinture de genre hollandaise. Mais déjà la lumière est vibrante, les chairs vivantes, le regard de Lise intense et présent. On sent l'apprentissage et la patience, mais aussi la promesse d'un peintre qui cherche sa voie.

Les portraits de Lise Tréhot sont aujourd'hui dispersés entre plusieurs collections : le Museum of Fine Arts de Boston, le Metropolitan Museum of Art de New York, la National Gallery of Art de Washington, le Musée d'Orsay à Paris, le Chrysler Museum of Art de Norfolk, ou encore des collections privées. Ils constituent l'un des ensembles de portraits féminins les plus touchants de l'impressionnisme, à la fois par leur qualité picturale et par leur témoignage d'une relation privilégiée entre l'artiste et son modèle. Le sujet de Lise Tréhot a également été exploré par Renoir après leur séparation, dans des œuvres plus tardives comme la Baigneuse au griffon (1870), où l'on reconnaît le même visage.

Reproduction peinte à la main

Reproduction de Lise dans un Châle Blanc - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de Lise dans un Châle Blanc (1867) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Portrait de jeunesse de Lise Tréhot, conservé au Museum of Fine Arts de Boston.

Reproduction peinte à la main

Reproduction de La Première Sortie - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de La Première Sortie (1876-1877) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Scène de la vie moderne, conservée au Museum of Fine Arts de Boston.

Reproduction peinte à la main

Reproduction du Portrait de Jeanne Samary - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction du Portrait de Mademoiselle Samary (1879) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Portrait d'actrice, conservé au Musée d'Orsay.

Art & détails

Les portraits mondains (1870-1890) : Madame Charpentier, Madame de Bonnières

Avec l'installation à Paris après la guerre de 1870 et le succès du Bal du moulin de la Galette (1876), Renoir accède aux commandes de la grande bourgeoisie parisienne. C'est la période des portraits mondains, où Renoir peint les femmes de la haute société dans des intérieurs bourgeois ou des jardins. Les modèles sont des épouses de collectionneurs, d'éditeurs, d'industriels : Madame Georges Charpentier (épouse de l'éditeur du même nom), Madame de Bonnières, Madame Paul Bérard, Madame Théodore Charpentier, Madame Alphonse Daudet, Madame Caillebotte.

Le style change radicalement. La touche se libère, les fonds s'ouvrent, les couleurs deviennent plus claires. Madame Georges Charpentier et ses enfants (1878), conservé au Metropolitan Museum of Art, est l'exemple type de cette période : pose triangulaire dans un intérieur japonisant, touche fragmentée, palette claire et chaude, juxtaposition de roses, de bleus, de blancs. C'est une œuvre majeure, qui signe l'entrée de Renoir dans les grandes commandes. Madame de Bonnières (1889), tardive dans la période, montre une évolution vers la touche plus nourrie et les chairs plus épaisses qui annoncent la période suivante. Madame de Bonnières pose en robe blanche dans un intérieur de réception, avec une dignité un peu froide. Le portrait est aujourd'hui conservé au Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris (Petit Palais). Ces portraits mondains ont assuré à Renoir une aisance financière qui lui a permis, à partir des années 1880, de peindre plus librement, sans dépendre uniquement des commandes.

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Les scènes de la vie moderne : La Première Sortie, La Loge, Jeanne Samary

À côté des portraits mondains, Renoir explore la vie moderne parisienne dans une série de scènes qui font dialoguer le portrait et la scène de genre. La Première Sortie (1876-1877, Museum of Fine Arts de Boston) montre une jeune femme en tenue de théâtre, devant un miroir qui réfléchit son visage et sa robe. C'est à la fois un portrait et une scène de la vie moderne : la jeune femme s'apprête à sortir au théâtre, et l'œuvre capte ce moment d'anticipation. La Loge (1874, Courtauld Gallery de Londres) montre une autre spectatrice au théâtre, vue de profil dans une loge.

Jeanne Samary, actrice de la Comédie-Française, pose à plusieurs reprises pour Renoir entre 1877 et 1879. Le Portrait de Mademoiselle Samary (1879, Musée d'Orsay) la montre en robe de soirée rouge, vue de face, dans une pose classique mais vivante. Le Portrait de Jeanne Samary en pied (1878, Musée d'Orsay) la représente debout dans un jardin, avec une grâce qui rappelle les portraits mondains mais aussi les scènes modernes. Renoir à aussi peint Mademoiselle Samary lisant (vers 1880, collection privée).

Ces scènes modernes témoignent d'un Renoir attentif aux nouveaux loisirs de la bourgeoisie parisienne : théâtre, concert, promenades, jardins publics. Elles s'inscrivent dans la tradition de la scène de la vie moderne initiée par Manet et Degas, mais avec une douceur et une lumière qui restent proprement renoiriennes. La touche est plus libre, les couleurs plus franches, les compositions plus inventives que dans les portraits mondains. C'est une période d'expérimentation, qui prépare la maturité tardive.

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Les portraits d'enfants : Coco, Fillette au faucon, Julie Manet

Renoir a peint de nombreux enfants tout au long de sa carrière, mais c'est dans la période tardive (1890-1919) qu'il a donné ses plus belles images. Coco, son fils Claude Renoir (né en 1901), pose à de nombreuses reprises pour son père : Coco et ses bonnes (vers 1910), Coco au chapeau (vers 1910), Coco à l'âge de deux ans (vers 1903), Coco et le chat (1907). Ces portraits d'enfant sont spontanés, tendres, vifs, à mille lieues des portraits mondains figés. Pierre-Auguste y montre un père qui regarde son fils avec une tendresse émerveillée.

Fillette au faucon (1882, Musée d'Orsay) est un autre portrait d'enfant emblématique. Une jeune fille tient un faucon sur son poing, dans une pose un peu guindée qui rappelle les portraits de chasse hollandais. La touche est plus libre que dans les portraits mondains, et la lumière plus naturelle. C'est l'un des plus beaux portraits d'enfant de l'impressionnisme, par sa simplicité et sa poésie.

Julie Manet, fille d'Édouard Manet et de Berthe Morisot, a posé pour Renoir en 1887-1888. Le portrait la montre enfant (elle à 9 ans), avec un chat dans les bras. Conservé au Musée Marmottan-Monet à Paris, c'est l'un des plus émouvants portraits d'enfant de l'époque. Berthe Morisot, belle-sœur de Renoir par alliance, a entretenu avec lui une amitié artistique et familiale durable. Ces portraits d'enfants montrent un le peintre plus libre, plus spontané, qui se libère des conventions du portrait bourgeois pour explorer la fraîcheur et la grâce de l'enfance.

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Les nus et baigneuses (1890-1919) : la figure monumentale

À partir des années 1890, après son voyage en Italie et son installation à Cagnes, Renoir s'oriente vers la grande figure féminine nue. C'est la période des baigneuses monumentales, qui occupe les vingt dernières années de sa carrière. Les Grandes Baigneuses (1884-1887, Philadelphia Museum of Art), commandées par la famille Caillebotte, marquent le début de cette recherche : trois femmes nues dans un paysage, dans un style qui mêle Raphaël et Renoir. Le tableau choque à l'époque par son aspect monumental et charnel, mais c'est aujourd'hui l'une des œuvres majeures de l'art du XIXᵉ siècle.

Les Baigneuses (1918-1919, Musée d'Orsay) sont la dernière œuvre peinte par Renoir, presque aveugle et perclus de rhumatismes. C'est l'aboutissement de toute sa recherche : des figures monumentales, presque mythologiques, dans une palette rose corail et nacrée, avec un empâtement épais qui donne à la chair une présence physique nouvelle. Le tableau est une synthèse de l'impressionnisme et de la tradition, de la couleur et du modelé, du détail et de la masse.

Entre ces deux œuvres majeures, Renoir a peint des dizaines de baigneuses, d'odalisques, de nus assis, de Vénus, de maternités. C'est sa période la plus personnelle, la plus radicale, qui annonce la figuration du XXᵉ siècle. Matisse, Picasso, Maillol, tous ont reconnu la dette qu'ils avaient à ces figures monumentales. Les Baigneuses de Renoir sont conservées au Musée d'Orsay, au Philadelphia Museum of Art, au Metropolitan Museum of Art, à la Tate Gallery, à la National Gallery of Art de Washington, et dans plusieurs collections privées. C'est l'un des ensembles les plus cohérents et les plus émouvants de l'histoire de la peinture de nu.

Décoration intérieure

L'évolution du portrait chez Renoir

L'évolution stylistique du portrait chez Renoir suit celle de toute son œuvre, avec une logique interne très forte. De la période de jeunesse (1860-1870) avec Lise Tréhot, le portrait est encore classique, sombre, précis, avec une attention au détail de l'école hollandaise et de la peinture de genre. La maturité (1870-1890) libère la touche, éclaircit la palette, installé le sujet dans un intérieur ou un jardin bourgeois. La période tardive (1890-1919) épaissit la matière, fait disparaître le détail au profit de la masse, et donne aux figures une monumentalité nouvelle.

Cette évolution ne se fait pas en rupture, mais en continuité. Renoir n'à jamais abandonné la figure humaine, n'à jamais cédé à l'abstraction ou au paysage pur. Il à toujours cherché la même chose : la présence de la chair, la vibration de la couleur, la lumière qui modèle le visage et le corps. Ce qui change, c'est la technique : la touche fragmentée des années 1870 fait place à la touche nourrie des années 1890, puis à l'empâtement épais des années 1910. La palette s'épaissit elle aussi, passant des blancs et des roses tendres aux roses corail et aux nacres de la période tardive.

Aujourd'hui, les portraits de Renoir sont parmi les plus chers du marché de l'art : Madame Charpentier et ses enfants a été adjugé 18,4 millions de dollars en 2018. Le marché secondaire reste dynamique, avec une rotation de 80 à 120 œuvres par an. Pour l'amateur, l'investissement dans une reproduction peinte à la main à l'huile sur toile d'un Renoir est la voie d'accès pour faire vivre chez soi les portraits et scènes intimes du maître, à partir de quelques centaines d'euros pour un petit format. Sur la page de chaque œuvre, vous pouvez commander la reproduction dans le format qui vous convient, livrée en 4 à 6 semaines avec certificat d'authenticité.

Reproduction peinte à la main

Reproduction des Baigneuses - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction des Baigneuses (1918-1919) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Œuvre ultime du maître, conservée au Musée d'Orsay.

Reproduction peinte à la main

Reproduction des Grandes Baigneuses - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction des Grandes Baigneuses (1884-1887) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Œuvre charnière de la période tardive, conservée au Philadelphia Museum of Art.